Leoš Janáček (1854–1928): Große Suite aus der Oper Das schlaue Füchslein (Arrangement Jakub Hrůša)

Richard Strauss (1864–1949): Eine Alpensinfonie, op. 64

Das Konzert der Bamberger Symphoniker unter der Leitung ihres Chefdirigenten Jakub Hrůša präsentiert die Werke zweier Werke derselben Generation und ihre überaus unterschiedliche Reflexion der Natur.

Offensichtlich brachte die Tatsache, dass ein so herausragender Komponist wie Leoš Janáček nur eine wenige Werke für Symphonieorchester komponiert hat, die Dirigenten schon bald nach seinem Tode dazu, seine Opernpartituren als Opernsuiten zu arrangieren, womit sie auch bei symphonischen Konzerten gespielt werden konnten. Die erste derartige Suite schuf der herausragende Dirigent Václav Talich aus der Oper Das schlaue Füchslein, wobei er jedoch nur die Musik des ersten Akts verwendete. Im Jahr 2017 entschied sich Operndirigent Jakub Hrůša, die rein orchestralen Passagen zur Schaffung einer Suite aus ebendieser Oper zu nutzen. Dabei war er sich wohl bewusst, dass die Orchestermusik ohne Gesang im Falle des Schlauen Füchsleins mehr als ein Drittel der gesamten Oper ausmacht. So entstand eine Suite, die chronologisch der Opernhandlung folgt und die für das Orchester bestimmten Teile erklingen lässt. Das Ergebnis ist mehr als gelungen und hilft uns zu begreifen, wie eigenwillig, impressiv und mitreißend der Orchesterpart dieser Oper ist, die Janáček in den Jahren 1922–24 komponierte. In Brno wird diese Orchestersuite erstmalig zu hören sein.

Eine Alpensinfonie ist der Titel eines eher selten aufgeführten symphonischen Gedichts von Richard Strauss, das er in den Kriegsjahren 1914–15 komponierte. Nach der Symphonie Domestica wollte Strauss eigentlich nur noch für die Opernbühne schreiben, doch zum Glück hielt er sich nicht an diesen Vorsatz. Aus dem Fenster seines Landhauses in Garmisch hatte er einen herrlichen Blick auf den Gipfel der Zugspitze und das imposante Wettersteinmassiv, und diese Szenerie wollte er musikalisch verarbeiten. In seiner Symphonie sollte ein effektvolles musikalisches Alpenpanorama entstehen, das ausschließlich sichtbare Tatsachen beschreibt, nicht jedoch den geistigen Bezug zur Natur. Durch diese musikalische Malerei entstand ein ganz außergewöhnliches Werk – so finden wir in der Partitur etwa Kuhglocken oder Instrumente, die ein Gewitter nachahmen. Nach ihrer Uraufführung in Berlin wurde die Symphonie von den Kritikern als Idylle tituliert (ähnlich wie Janáček sein Schlaues Füchslein eine „Waldidylle“ nannte), und die gewisse Einfachheit oder nachgerade Naivität, die man von Strauss nicht erwartet hätte, kommentierte dieser selbst mit den Worten: „Ich hab einmal komponieren wollen, wie die Kuh Milch gibt.“

Autor: Jiří Zahrádka

Leoš Janáček (1854–1928): 1. X. 1905 (Von der Straße), JW VIII/19

Auf verwachsenem Pfade , Reihe 1 und 2, JW VIII/17

Thema con variazioni, JW VIII/6

Im Nebel, JW VIII/22

Dieses Klavierrezital eines der begabtesten Pianisten der jüngeren Generation gehört sicherlich zu Highlights im Konzertprogramm des Festivals. Jan Bartoš hat 2019 bei Supraphon das komplette Klavierwerk Janáčeks eingespielt und veröffentlicht, wofür er umgehend von Kritikern aus verschiedenen Ländern gewürdigt wurde (so etwa als Editor’s Choice der einflussreichen Zeitschrift Gramophone).

Die Komposition 1. X. 1905 (Von der Straße) entstand spontan als Reaktion auf eine Tragödie, die sich während der Demonstrationen für eine tschechische Universität in Brünn ereignet hatte. Nach jahrelangen Bemühungen um den Aufbau eines tschechischen Hochschulwesens in der Stadt hatte die Regierung entschieden, dass die Bürger Brünns selbst über eine tschechische Universität abstimmen sollten. Die überwiegend deutschsprachigen Einwohner der Stadt befürchteten jedoch einen größeren tschechischen Einfluss, so dass ihre Repräsentanten für den 1. Oktober 1905 einen sog. Volkstag einberiefen, bei dem deutsche Vereine und Institutionen aus der ganzen weiteren Umgebung ihren Widerstand gegen die Gründung einer tschechischen Universität in Brünn kundtun sollten. Als Reaktion darauf organisierten die tschechischen Einwohner der Stadt eine große antideutsche Demonstration. Die beiden Lager lieferten sich Straßenkämpfe, gegen die die Gendarmerie und schließlich auch die Armee einschritt. Bei einem dieser Einsätze wurde in der Nähe des Gemeinschaftshauses der junge tschechische Arbeiter František Pavlík getötet. Unter dem Eindruck dieses tragischen Ereignisses schrieb Janáček sein ursprünglich dreisätziges Werk Von der Straße I. X. 1905. Unmittelbar vor der Brünner Uraufführung am 27. Januar 1906 verbrannte er den letzten Satz, und nach einer weiteren Aufführung in Prag warf er gar das gesamte Manuskript in die Moldau. Glücklicherweise bewahrte die erste Interpretin des Stückes, die Pianistin Ludmila Tučková, ihre Abschrift der ursprünglichen Version auf, was sie erst 1924 bekannt machte. So ist dieses von seinem Schöpfer für viele Jahre vergessene Klavierwerk der Nachwelt erhalten geblieben.

Der poetische Klavierzyklus Auf verwachsenem Pfade entstand schrittweise in den Jahren 1900, 1908 und 1911. Die fünf Kompositionen der ersten Reihe dieses Zyklus schrieb Janáček im Jahr 1900. Sie erschienen als kleine Stücke für Harmonium in den Slawischen Melodien, die der Lehrer Emil Kolář aus Ivančice in Heftform herausgab. Um die Verbreitung dieses Zyklus machte sich der Redakteur Jan Branberger verdient, indem er im Jahr 1908 bei dem Prager Verleger Bedřich Kočí die Publikation der Stücke in Auftrag gab. Das Interesse des Verlegers an den bestehenden Kompositionen bewegte Janáček zum Schreiben weiterer Teile, so dass der Zyklus nunmehr zehn Stücke umfasste, denen der Komponist poetische Namen gab. Kurz vor der Herausgabe der ersten Reihe des Zyklus beim Verlagshaus Píša veröffentlichte Janáček am 30. September 1911 in der belletristischen Abendbeilage der Tageszeitung Lidové noviny die erste Komposition aus der neuen Reihe des Zyklus Auf verwachsenem Pfade, diesmal jedoch bereits ohne den poetischen Namen. Als Vorlage für den Druck diente eine undatierte Abschrift Sedláčeks, die insgesamt drei nummerierte und durchweg namenlose Kompositionen enthielt, wobei die letzte davon eher eine Skizze war, welche Bartoš aus nachvollziehbaren Gründen nicht in die zweite Reihe aufnahm.

Auf sein Klavierstück Thema con variazioni, auch als Zdenka-Variationen bekannt, war Janáček zum Zeitpunkt seiner Entstehung so stolz, dass er ihm die Opusnummer 1 gab, obgleich er schon zuvor eine Reihe anderer Werke geschrieben hatte. Die Komposition entstand zu Beginn des Jahres 1880, als Janáček am Konservatorium in Leipzig studierte, unter der Anleitung seines Professors Leo Grill, und der Komponist widmete sie seiner Verlobten Zdenka Schulz. Für den jungen Janáček war dies ein wichtiges Werk, in welchem er sich in den Kompositionsstilen von Schumann, Tschaikowski, Liszt oder Brahms versuchte.

Den Klavierzyklus Im Nebel vollendete Janáček im April 1912. Kurz zuvor, im Jahr 1910, war er mit seiner Gattin und der Haushälterin in ein neues Häuschen im Garten der Orgelschule umgezogen, wo er, von der Welt abgeschirmt, mit angegriffenem Selbstbewusstsein und melancholischen Stimmungen hingegeben, sein letztes umfangreicheres Werk für Soloklavier komponierte. Sein Werk begann er, nachdem er kurz zuvor die Klavierwerke des französischen Komponisten Claude Debussy gehört hatte, und so ist es kein Zufall, dass sein träumerisches, melancholisches Werk Elemente des Impressionismus zeigt. Der Zyklus Im Nebel errang den ersten Preis in einem Kompositionswettbewerb des Klubs der Kunstfreunde, welcher die siegreiche Komposition hätte publizieren sollen. Janáček überließ diese Möglichkeit jedoch seinem Schüler Jaroslav Kvapil, dem zweiten Preisträger des Wettbewerbs. Der Zyklus Im Nebel erklang in der Interpretation Marie Dvořákovás erstmals am 7. Dezember 1913 in Kroměříž.

Autor: Jiří Zahrádka

Claude Debussy (1862-1918): Trois chansons de France (L 115) für Singstimme und Klavier

Claude Debussy: Ballade slave (L 70) für Klavier

Gustav Mahler (1860-1911): Kindertotenlieder für Singstimme und Klavier

Leoš Janáček (1854-1928): Mährische Volkspoesie in Liedern (JW V/2) für Singstimme und Klavier

Leoš Janáček: 1. X. 1905 (Von der Straße) (JW VIII/19)

In seinem Rezital präsentiert der herausragende Sänger Tomáš Král das Liedschaffen dreier Autoren, die innerhalb einer Zeitspanne von weniger als zehn Jahren geboren wurden und später zu den respektiertesten Musikschöpfern zählten, welche die Türen für die Musik des ungestümen 20. Jahrhunderts öffneten. Auch die in diesem Konzert vorgestellten Lieder entstanden in enger zeitlicher Nachbarschaft zwischen 1892 und 1904 – und doch scheinen Welten zwischen ihnen zu liegen…

Die Trois chansons de France von Claude Debussy (1862–1918) entstanden im Jahr 1904, und ihr Autor widmete sie der Sängerin Emma Bardac. Zwei der drei Lieder sind Rondels nach Versen von Charles d´Orléans aus dem 15. Jahrhundert, das dritte basiert auf einem Gedicht von Tristan L´Hermite aus dem 17. Jahrhundert.

Gustav Mahler (1860–1911) schrieb seine Kindertotenlieder in den Jahren 1901 und 1904. Er schöpfte aus der Sammlung Friedrich Rückerts aus den Jahren 1833–34, wählte jedoch aus den 428 Gedichten lediglich fünf für seinen Zyklus aus. Die Lieder waren ursprünglich für Altstimme und Orchesterbegleitung geschrieben. Die Melodik dieser Lieder, in deren Texten Rückert auf den Tod seiner zwei Kinder reagiert, hinterlässt durch ihre ungewohnte Natürlichkeit (die sich der eines Volksliedes nähert) einen ungemein starken Eindruck. Der Zyklus gehört zu den Höhepunkten in Mahlers Liedschaffen.

Die Mährische Volkspoesie in Liedern stellt mit 53 Liedern den umfangreichsten Liedzyklus Leoš Janáčeks (1854–1928) dar. Der Komponist arbeitete an diesem Zyklus in den Jahren 1892–1901, also in jener Epoche, in der auch seine Oper Jenůfa Gestalt annahm. Janáček widmete sich ab etwa 1888 intensiv der Volksmusik und dem Sammeln von Volksliedern, wobei diese Tätigkeit gerade in den Neunzigerjahren ihren Höhepunkt erreichte, als sie auch einen sehr großen Einfluss auf Janáčeks Kompositionstätigkeit gewann. Dem Volkslied blieb er jedoch sein Leben lang treu. Auch Adaptionen von Volksliedern für Singstimme und Klavierbegleitung widmete er sich etliche Jahre. In gewisser Weise dienten sie ihm als Experimentierfeld, weshalb diese Lieder einen ganz besonderen Platz im Werk des Komponisten einnehmen. Im Jahr 1892 gab der Verleger Šolc die zweite Auflage der Sammlung Ein Strauß mährischer Volkslieder heraus, „gebunden von František Bartoš und Lev Janáček“. Bei dieser Gelegenheit fragte der Verleger bei Janáček an, ob dieser nicht zu den Liedern noch eine Klavierbegleitung hinzufügen könnte. Janáček entsprach diesem Wunsch bei fünfzehn Liedern, die Šolc 1893 im ersten Heft herausgab. Das zweite Heft erschien erst 1902, als der Verleger die restlichen 38 Lieder veröffentlichte. Alle zusammen erschienen sie erst 1908 unter dem Titel Mährische Volkspoesie in Liedern. Lediglich vier der Lieder erklangen 1904 in Brno. Der komplette Zyklus wurde zu Janáčeks Lebzeiten offenbar nie aufgeführt.

Im Rahmen des Konzertes werden auch zwei Klavierstücke zu hören sein: die Ballade slave von Claude Debussy aus dem Jahr 1890 sowie das Werk 1. X. 1905 (Von der Straße) von Leoš Janáček aus dem Jahr 1905.

Autor: Jiří Zahrádka

Leoš Janáček (1854–1924): Das ewige Evangelium, JW III/ 8, Legende für Solostimmen, gemischten Chor und Orchester nach einem Gedicht von Jaroslav Vrchlický

Glagolitische Messe, JW III/9, für Solostimmen, gemischten Chor, Orgel und Orchester

Der Chor der Alt-Brünner Basilika Mariä Himmelfahrt war für Janáček ein Ort von essentieller Bedeutung. In der Augustinerabtei hatte er seine Kindheit verbracht, im Alt-Brünner Chor hatte er als Stiftungsschüler gesungen und später auch auf der Orgel gespielt. Als Pavel Křížkovský 1872 nach Olmütz wechselte, vertrat ihn Janáček in der Funktion des Chorleiters.

Seine in Versform gehaltene Legende mit dem Titel Das ewige Evangelium (Legende 1240) aus der 1891 herausgegebenen Sammlung Fresken und Gobelins schöpft ihre Inspiration aus der Lehre des mittelalterlichen Mönchs Joachim von Fiore (1132–1202), dessen Auslegung der Geschichte in einer Epoche des Heiligen Geistes gipfelt, also der Liebe der gesamten Menschheit zu allen lebenden Geschöpfen. Es mag als symbolisch betrachtet werden, dass Janáček diese Botschaft kurz vor dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs vertonte. Wann das Werk genau entstand, ist nicht bekannt, aber der erste Hinweis auf seine Fertigstellung stammt aus dem Mai 1914. In Janáčeks Ewigem Evangelium wird die Prophezeiung des Joachim von Fiore in vier Teile untergliedert, in denen die Betonung auf dem Tenorpart und dem Chor liegt. Nicht nur von seiner Instrumentierung her ist das Evangelium musikalisch eng mit den Ausflügen des Herrn Brouček verbunden. Seine Premiere erlebte es erst am 5. Februar 1917 in einer Einstudierung des Prager Sängerbunds Hlahol und des Orchesters der tschechischen Philharmonie unter der Leitung des Dirigenten Jaroslav Křička.

Die Glagolitische Messe ist sicherlich eines der größten geistlichen Musikwerke nicht nur des 20. Jahrhunderts. Janáček dachte schon 1920 über diese Komposition nach, zu zielstrebiger Arbeit fand er jedoch erst 1926 die Zeit, als er das Werk während eines verregneten Kuraufenthalts in Luhačovice schrieb. Die Verwendung der kirchenslawischen Sprache kann bei Janáček nicht verwundern, war doch gerade das Alt-Brünner Kloster, in dem er seine Jugendjahre verbrachte, ein Zentrum des Kultes um die Slawenapostel Kyrill und Method. Janáček hatte selbst noch im Jahre 1869 als Stiftungsschüler an den pompösen Feierlichkeiten in Velehrad anlässlich des 1000. Todestags von Kyrill teilgenommen. Das großzügig konzipierte Werk für Solostimmen, Chor, Orchester und Orgel wurde vom Philharmonischen Verein Beseda brněnská zusammen mit dem Orchester des Brünner Nationaltheaters unter der Leitung von Jaroslav Kvapil am 5. Dezember 1927 uraufgeführt. Die Glagolitische Messe zählt weltweit zu den meistgespielten geistlichen Werken des 20. Jahrhunderts und begeistert bis heute durch ihre Modernität, ihre Energie, aber auch durch ihre Zärtlichkeit. Wenngleich Janáček diese Komposition einem hohen Würdenträger der katholischen Kirche, dem Olmützer Erzbischof Leopold Prečan, widmete, reicht ihre geistliche Dimension weit über die katholische Doktrin hinaus und geht eher in Richtung eines Pantheismus Janáčekscher Prägung.

Autor: Jiří Zahrádka

Bohuslav Martinů (1890–1959): Streichquartett Nr. 2, H 150

Leoš Janáček (1854–1928): Streichquartett nach Tolstois „Kreutzersonate“, JW VII/8

Antonín Dvořák (1841–1904): Streichquintett Nr. 3 Es-Dur, op. 97

Das erste unbestreitbare Meisterwerk Bohuslav Martinůs im Bereich der Kammermusik war sein Streichquartett Nr. 2 aus dem Jahr 1925. Der Komponist schuf es in einer Zeit, als er bereits unter dem Einfluss seines Aufenthalts in Paris und der Musikkultur dieser Stadt stand. Dass Quartett, welches Martinů im Frühjahr 1925 schrieb und anschließend im Sommer desselben Jahres in Polička überarbeitete, ist zwar einerseits noch von der Tradition der Romantik und des Impressionismus beeinflusst, gleichzeitig markiert es jedoch einen Neubeginn im Kammerwerk des Komponisten. Er verzichtete erstmals in einem Quartett auf die Mitteilung eines „höheren Gedankens“ oder einer Botschaft, sondern bemühte sich vielmehr um sachliche, unpersönliche Objektivität, so wie er dies in Paris etwa in manchen Werken Strawinskys kennen gelernt hatte. Nach der Vollendung des Stückes im Sommer 1925 gruppierte sich um Stanislav Novák, einen Freund Bohuslav Martinůs, ein Streichquartett, das die neue Komposition anschließend erstmals aufführte. Für den jungen Autor bedeutete es einen großen Ansporn, dass sein Streichquartett Nr. 2 von der namhaften Universal Edition verlegt wurde.

Das Streichquartett nach Tolstois „Kreutzersonate“ stammt aus dem Jahr 1923. Die Entstehungsgeschichte dieser Komposition reicht jedoch bis ins Jahr 1908 zurück, als Janáček ein heute nicht mehr erhaltenes Klaviertrio schrieb, bei dem er sich durch Tolstois Novelle inspirieren ließ. Vom musikalischen Material dieses Trios ging Janáček später bei der Komposition seines ersten Streichquartetts aus. Er widmete dieses Opus dem bekannten Böhmischen Quartett, welches es auch bei der Uraufführung am 17. Oktober 1924 interpretierte. Der damals bereits siebzigjährige Autor konnte mit diesem Werk große Erfolge verbuchen, so erklang es etwa 1925 beim Festival der Internationalen Gesellschaft für moderne Musik in Venedig.

Das Streichquintett Nr. 3 Es-Dur ist eines der bedeutendsten Kammerwerke des zu jener Zeit bereits weltbekannten Antonín Dvořák. Er komponierte es 1893 während seines Aufenthalts in Amerika. Das Stück entstand während Dvořáks Urlaub in Spillville unmittelbar nach seinem Streichquartett F-Dur. Das überaus originelle Werk schöpft seine Inspiration gerade aus dem Aufenthalt in Amerika und ist durch Pentatonik, eine synkopische Rhythmik und Anklänge an die indianische Folklore charakterisiert. Gleichzeitig zeigt die Komposition durch die erweiterte Instrumentierung eine sehr hohe Klangdichte und einen großen Ausdrucksreichtum. Das Streichquintett hatte seine Premiere am 12. Januar 1894 in New York in einer Einstudierung des Kneisl-Quartetts mit Max Zach an der zweiten Viola. In Prag erklang das Werk erstmals am 10. Oktober 1894 bei einem Auftritt des Böhmischen Quartetts zusammen mit Ferdinand Lachner.

Autor: Jiří Zahrádka

Bereits zum vierten Mal präsentiert sich die Musikfakultät der Janáček-Akademie den Festivalgästen mit einem Konzertprogramm ihrer Studenten, das auf untraditionelle Weise einerseits interessante künstlerische Aktivitäten der Studenten vorstellt, andererseits aber auch Einblicke in das Umfeld der einzelnen Studienfächer ermöglicht, wie sie der gemeine Konzertgänger nicht kennt. Das Publikum wird somit die Möglichkeit haben, nicht nur den Auftritten der jungen Künstler beizuwohnen, sondern sich auch in verschiedenen Räumlichkeiten der Fakultät umzusehen (vom Konzertsaal der Akademie über die Probebühnen bis hin zu ganz unkonventionellen Orten wie etwa auch den Korridoren der Schule), wo die jungen Künstler überall für musikalische Begleitung sorgen. Die ganze Aktion wird von den Studenten der Opernregie vorbereitet, die in Zusammenarbeit mit ihren Kommilitonen aus anderen Musikfächern den Besuchern eine – etwas übertrieben gesagt – „interaktive Schau der Musikkunst“ bieten.

Autor: Monika Holá

Leoš Janáček (1854–1928): Kinderreime, JW V/17 für 9 Stimmen und 10 Instrumentalisten

Bohuslav Martinů (1890–1959): Das Maifest der Brünnlein, H 354, Kantate für Solostimmen, Rezitator, Frauen- oder Kinderchor und Kammerensemble

Hans Krása (1899–1944): Brundibár, Kinderoper in zwei Akten nach dem Libretto von Adolf Hoffmeister

Die ausgelassenen Kinderreime aus dem Jahr 1925 sind eine der wenigen Kompositionen Janáčeks, die auch jüngere Zuhörer ansprechen. Seine Inspiration fand Janáček wie schon einige Male zuvor in der Tageszeitung Lidové noviny, in deren Kinderbeilage Reime mit lustigen Zeichnungen von Josef Lada, Ondřej Sekora oder Jan Hála erschienen. Janáček hatte zu Hause eine ganze Sammlung dieser Kinderseiten. Er wählte acht davon aus und komponierte einen Zyklus kleiner Stücke für drei Mezzosoprane, Klarinette, Klavier und Kindertrommel. Die überaus erfolgreiche Premiere fand am 26. Oktober 1925 im Foyer des Gemeinschaftshauses in Brno statt. Ein Jahr später ergänzte der Komponist seine Kinderreime um zehn weitere Nummern. Außerdem kamen in der Partitur weitere Stimmen und Instrumente sowie jeweils ein kurzes Vor- und Nachspiel hinzu. Interessant ist auch Janáčeks Wunsch, dass bei der Aufführung dieser Komposition bunte Bilder projiziert werden sollten, doch konnten die technischen Möglichkeiten jener Zeit diesen Traum noch nicht erfüllen. Janáčeks Wunsch ging erst 1948 in Erfüllung, als Josef Lada zusammen mit dem Regisseur Eduard Hofman einen Zeichentrickfilm zu den Kinderreimen drehte, was für Lada gleichzeitig die erste Erfahrung mit diesem neuen Genre war. Bei dem Konzert werden die Kinderreime in Begleitung des ursprünglichen Films erklingen.

Das Maifest der Brünnlein ist wohl das bekannteste Werk von Bohuslav Martinů. Der Grund dafür liegt wohl im intimen Bekenntnis der Einsamkeit des Autors und seiner unerfüllten Sehnsucht nach der Rückkehr in seine Heimat, die ihm das kommunistische Regime verwehrte. Es kann nicht verwundern, dass sich der aus dem Bergland der Vysočina stammende Komponist so nach seiner Heimat sehnte, fiel doch sein letzter Besuch bereits in das Jahr 1938. Wohl deshalb mag er so positiv auf den Text des aus Polička gebürtigen Miroslav Bureš reagiert haben, dass er im Jahr 1955 diese fragile Kammerkantate komponierte, die sich auf einen uralten Volksbrauch zur Begrüßung des Frühlings bezieht. Dieses Brauchtum verbindet sich in Martinůs Werk mit der Weisheit des Alters und mit dem Begreifen des sich über Generationen wiederholenden menschlichen Schicksals.

Auch diesmal will das Festival an ein Werk erinnern, das den während des Zweiten Weltkriegs ins Ghetto Theresienstadt deportierten Kindern gewidmet war. Mit der Kinderoper Brundibár von Hans Krása nach einem Text von Adolf Hoffmeister steht das wohl berühmteste mit Theresienstadt verbundene Werk auf dem Programm. Die Oper entstand ursprünglich als Reaktion auf einen Wettbewerb des tschechoslowakischen Schulministeriums aus dem Jahr 1938. Doch die geschichtlichen Ereignisse sorgten dafür, dass es zu keiner Auswertung dieses Wettbewerbs mehr kam. Im Jahr 1941 beschloss der Direktor des Prager jüdischen Waisenhauses, Otto Freudenfeld, die Oper aufzuführen. Der Komponist selbst konnte der Vorstellung jedoch nicht mehr beiwohnen, da er nach Theresienstadt deportiert worden war. Später gelangte auch Freudenfeld nach Theresienstadt, wobei es ihm gelang, den Klavierauszug der Oper mit ins Lager zu schmuggeln. Krása instrumentierte sie neu, und am 23. September 1943 konnte im Saal der Magdeburger Kaserne die feierliche Premiere stattfinden. Die Oper Brundibár über einen Unterdrücker, der von den Kindern und den Tieren gemeinsam bezwungen wird, ließ die Zuschauer wie die Mitwirkenden aus den Reihen der Theresienstädter Kinder wenigstens für eine Weile die Schecken ihres Lebensalltags im Ghetto vergessen. Es braucht wohl kaum betont zu werden, dass viele der Interpreten das Kriegsende nicht mehr erlebten. Auch Hans Krása, der Autor der Oper, wurde 1944 im Konzentrationslager Auschwitz ermordet.

Autor: Jiří Zahrádka

Dirigent: Pavel Šnajdr

Klavier: Pavel Zemen (Concertino)

Sopran: Gun-Brit Barkmin

Tenor: Jan Hájek (Pulcinella)

Bariton: Josef Škarka (Pulcinella)

Mezzosopran: Václava Krejčí Housková (Pulcinella)

Soloists / Solisten: Gun-Brit Barkmin, Jan Hájek, Josef Škarka, Václava Krejčí Housková

Arnold Schönberg (1874–1951): Pierrot lunaire, op. 2 für Rezitator, Flöte (Piccoloflöte), Klarinette (Bassklarinette), Violine (Viola), Violoncello und Klavier

Igor Strawinsky (1882–1971): Pulcinella (Ballett) für Sopran, Tenor, Bass und Orchester

Leoš Janáček: Concertino (JW VII/11) für Klavier, zwei Violinen, Viola, Klarinette, Waldhorn und Fagott

Im Rahmen des Konzertes erklingen zwei repräsentative Werke der Musikgeschichte, die im Abstand von nur acht Jahren entstanden, aber zwei grundsätzliche Gegenpole jener Wege illustrieren, welche die Musik des 20. Jahrhunderts in der Folge nehmen sollte.

Pierrot Lunaire (Mond Pierot), Op. 21 von Arnold Schönberg ist für den Rezitator (die Stimme ist nicht in der Partitur vorgesehen, sondern traditionell verwendete Sopranistin), Flöte (Piccolo), Klarinette (Bassklarinette), Violine (Viola), Cello und Klavier für 21 Gedichte von Albert Giraud. Schönbergs Meisterwerk, das ab 1912 in tonaler und harmonischer Freiheit mit klassischen Formen geschrieben wurde, ist dramatisch, erhaben und überschwänglich an der Spitze des expressionistischen musikalischen Ausdrucks. Die Komposition besteht aus drei sehr kurzen „Melodramen“ und ist für eine bestimmte gesprochene Sprache geschrieben, in der der Rezitator eine klar definierte Notenschrift hat und oft zwischen Singen und Sprechen pendelt. Schönberg arbeitet hier nicht nur meisterhaft mit Formen, sondern auch mit Farben: Er kombiniert auf bemerkenswerte Weise Ensemble-Instrumente mit allen denkbaren Spieltechniken, die oft extreme Instrumentenpositionen erfordern und extrem schwer zu interpretieren sind.

Igor Strawinskys Ballett Pulcinella stellt das genaue Gegenteil der Komposition Pierrot lunaire dar. Der Autor lebte bereits vor dem Ersten Weltkrieg außerhalb Russlands, meist in Frankreich und der Schweiz. In Paris hatte er sich mit Sergei Djagilew angefreundet, einem Propagator russischer Kunst und Organisator des Russischen Balletts, mit dem seit 1910 führende moderne Komponisten (Debussy, Satie, Poulenc, Prokofjew) und bildende Künstler (Picasso, Chirico, Braque, Matisse) zusammenarbeiteten. Für Djagilews Ensemble schrieb Strawinsky seine ersten Ballettpartituren – Der Feuervogel, Petruschka und Le Sacre du Printemps –, bahnbrechende Werke nicht nur im Schaffen ihres Autors, sondern auch in der Geschichte der europäischen Musik. Der neue, expressiv offensive Klang von Strawinskys Musik jener Epoche, wo der Rhythmus gegenüber der Melodik und Harmonie dominiert, erreichte seinen Höhepunkt im Ballett Le Sacre du Printemps, dessen Premiere im Jahr mit einem legendären Skandal endete. Auch das gesungene Ballett Pulcinella aus dem Jahr 1919 entstand als Auftragswerk für Djagilews Russisches Ballett. Mit dem Anbruch der Zwanzigerjahre kam es jedoch zu einem Wandel in Strawinskys Schaffen. Anstelle ungestüm rhythmischer, „barbarischer“ Partituren entstanden Werke mit kleinerer Kammerbesetzung, die die Hinwendung zum Neoklassizismus markierten. Die Grundlage des Balletts Pulcinella bilden unvollendete und unpublizierte Kompositionen des italienischen Meisters Giovanni Battista Pergolesi aus dem 18. Jahrhundert, die Djagilew während seiner Aufenthalte in Italien ausfindig machte und abschreiben ließ, um sie Strawinsky vorzulegen, der sie redigieren und zu einer Ballettmusik verarbeiten sollte. Die Kompositionen stammten aus dem Archiv des Konservatoriums von Neapel, es handelte sich um den dritten Akt der Oper Il fratello inamorato aus dem Jahr 1732 und Fragmente aus der Oper Il Flaminio. Dazu gesellte sich Melodiematerial aus Triosonaten für zwei Violinen und Basso continuo, aber auch einige bekannte Arien. Später wurde Strawinsky zum Vorwurf gemacht, er habe gegenüber dem großen Komponisten nicht genügend Achtung und Pietät walten lassen. Nach Strawinsky jedoch bleibt Achtung stets unfruchtbar und kann nie ein produktives und schöpferisches Element sein. Das Sujet des Balletts bestimmte wiederum Djagilew, der in Neapel Manuskripte von Komödien des neapolitanischen Volkstheaters aus dem Jahr 1700 gefunden hatte, aus denen er die Komödie Die vier gleichen Pulcinellas mit Figuren der italienischen Commedia dell’arte auswählte. Die Choreografie des Balletts stammte von Leonid Mjasin, das Bühnenbild von Pablo Picasso. Die Premiere fand 1920 an der Pariser Nationaloper statt, und Strawinsky war mit der endgültigen Form der Vorstellung überaus zufrieden: „Die Vorstellung von Pulcinella war eines jener – sicherlich seltenen – Theaterereignisse, wo alles Hand in Hand geht und wo das Ergebnis aller Elemente, des Sujets, der Musik, der Choreografie, der Ausstattung, ein kontinuierliches, homogenes Ganzes ergibt.“ Pulcinella zählt bis heute zu den reizvollsten Werken des Neoklassizismus.

Das Concertino, von Janáček (1854–1928) selbst bisweilen ein „kleines Klavierkonzertchen“ genannt, ist das mittlere von drei Kammerwerken (Jugend, Concertino und Capriccio) aus der größten Schaffensphase des Komponisten. Zur Komposition seines Concertino wurde Janáček 1924 durch den herausragenden Vortrag des ausgezeichneten tschechischen Pianisten Jan Heřman inspiriert, dem der Autor sein Werk anschließend auch widmete. Ursprünglich sollte das Stück eine Suite mit dem Titel Frühling werden. Kurz vor seiner Fertigstellung schrieb Janáček aus Hukvaldy seiner Freundin Kamila Stösslová: „…Ich habe hier ein Klavierkonzert Frühling komponiert. Dort finden sich eine Grille, Fliegen, ein Rehbock – ein reißender Bergbach – und natürlich der Mensch…“ Der Titel Frühling – Suite wich jedoch schließlich dem schlichten Concertino. Seine erste Aufführung erlebte das Stück am 16.2.1926 in Brno im Rahmen eines Konzerts des Klubs mährischer Komponisten und fand dabei beim Publikum so großen Anklang, dass es noch ein zweites Mal gespielt werden musste. Um nichts geringer war der Erfolg des Concertino auch bei seiner ersten Aufführung in Prag im selben Jahr, und schon bald war das Stück praktisch auf der ganzen Welt zu hören. Unter anderem wurde es 1927 beim Festival der Internationalen Gesellschaft für Neue Musik in Frankfurt aufgeführt. Auf Anregung der deutschen Fachzeitschrift Pult und Taktstock verfasste Janáček 1927 eine Erklärung des Inhalts der Komposition. Im ersten Satz ärgert sich der Igel, dass man ihm den Eingang zu seinem Bau in der alten Linde versperrt hat. Der zweite Satz handelt von einem Eichhörnchen, das einst durch die Baumkronen hüpfte, dann aber zum Spaß der Kinder in einem Käfig tanzen musste. Im dritten Satz blicken die runden Augen des Käuzchens, der Eule und des übrigen nächtlichen Kritikergesindels überheblich in die Klaviersaiten, und im vierten Satz sieht es aus, als würden sich alle um einen Groschen streiten – wie im Märchen.

Autor: Jiří Zahrádka

Janáčeks Interesse galt stets auch der Förderung und der Sammlung von Liedern, in denen die Volksfrömmigkeit zum Ausdruck kam. Als seinen Mitarbeiter bei der Volksliedforschung wählte Janáček unter anderem auch Hynek Bím, den er mit der Erkundung des westlichen Mähren betraute. Gerade Bím hielt bei seinen wiederholten Aufenthalten in Vnorovy (damals Znorovy) einen Zyklus alter Kirchenlieder fest, denen er, obgleich sie nur einen Bruchteil der von ihm erfassten Lieder ausmachten, große Aufmerksamkeit schenkte (davon zeugen auch die nicht weniger als sechzehn Briefe, die er mit Janáček zu diesem Thema austauschte). Übrigens war Janáček nach dem frühzeitigen Tod seines Vaters im Jahr 1866 gerade in Vnorovy bei seinem Onkel Jan Janácěk untergekommen (dieser wirkte hier in den Jahren 1870–1878 als Pfarrer). In jener Zeit, als Leoš Janáček hier selbst in der Kirche des Ortes die Orgel spielte, dürfe er die geistlichen Lieder dieses Ortes persönlich kennen gelernt haben.

Die Lieder stehen in direktem Bezug zum Kirchenjahr. Einen Teil davon finden wir in Jan Josef Božans Gesangbuch Die Paradiesnachtigall aus dem Jahr 1719 als dem grundlegenden Vergleichsmaterial, welches noch zu Zeiten der Liedsammeltätigkeit im Jahr 1911 bei Gottesdiensten in der Pfarrkirche von Vnorovy verwendet wurde. Bím notierte (und teils nahm er sie auch mit dem Phonographen auf) Advents-, Weihnachts-, Fasten- und Osterlieder, Lieder zu Ehren von Heiligen sowie Lieder, die sich in ihrem Inhalt auf Ereignisse im Leben eines gläubigen Christen beziehen.

Das Konzert „Kirchenlieder aus Znorovy“ möchte einem breiteren Publikum wenigstens einen Eindruck von diesem Schatz der volkstümlichen Musikkultur bieten, der von der Folkloristik bisher kaum gewürdigt wird. Mit der Auswahl der Lieder werfen wir so mit mehr als hundertjährigem Abstand einen Blick in das geistliche Gesangsrepertoire der genannten Ortschaft in der Mährischen Slowakei. Zu dem Konzert würde eine intimere, am ehesten sakrale Umgebung passen. Unter der Begleitung der Orgel, eines Kammerensembles oder auch a cappella präsentieren sich ausgewählte Gesangssolisten und Chöre aus Vnorovy und Umgebung. Eine Überlegung wert wäre auch ein Tonträger zu diesem ganz außergewöhnlichen Projekt…

Autor: Magdalena Múčková