Bereits zum vierten Mal präsentiert sich die Musikfakultät der Janáček-Akademie den Festivalgästen mit einem Konzertprogramm ihrer Studenten, das auf untraditionelle Weise einerseits interessante künstlerische Aktivitäten der Studenten vorstellt, andererseits aber auch Einblicke in das Umfeld der einzelnen Studienfächer ermöglicht, wie sie der gemeine Konzertgänger nicht kennt. Das Publikum wird somit die Möglichkeit haben, nicht nur den Auftritten der jungen Künstler beizuwohnen, sondern sich auch in verschiedenen Räumlichkeiten der Fakultät umzusehen (vom Konzertsaal der Akademie über die Probebühnen bis hin zu ganz unkonventionellen Orten wie etwa auch den Korridoren der Schule), wo die jungen Künstler überall für musikalische Begleitung sorgen. Die ganze Aktion wird von den Studenten der Opernregie vorbereitet, die in Zusammenarbeit mit ihren Kommilitonen aus anderen Musikfächern den Besuchern eine – etwas übertrieben gesagt – „interaktive Schau der Musikkunst“ bieten.

Autor: Monika Holá

Leoš Janáček (1854–1928): Kinderreime, JW V/17 für 9 Stimmen und 10 Instrumentalisten

Bohuslav Martinů (1890–1959): Das Maifest der Brünnlein, H 354, Kantate für Solostimmen, Rezitator, Frauen- oder Kinderchor und Kammerensemble

Hans Krása (1899–1944): Brundibár, Kinderoper in zwei Akten nach dem Libretto von Adolf Hoffmeister

Die ausgelassenen Kinderreime aus dem Jahr 1925 sind eine der wenigen Kompositionen Janáčeks, die auch jüngere Zuhörer ansprechen. Seine Inspiration fand Janáček wie schon einige Male zuvor in der Tageszeitung Lidové noviny, in deren Kinderbeilage Reime mit lustigen Zeichnungen von Josef Lada, Ondřej Sekora oder Jan Hála erschienen. Janáček hatte zu Hause eine ganze Sammlung dieser Kinderseiten. Er wählte acht davon aus und komponierte einen Zyklus kleiner Stücke für drei Mezzosoprane, Klarinette, Klavier und Kindertrommel. Die überaus erfolgreiche Premiere fand am 26. Oktober 1925 im Foyer des Gemeinschaftshauses in Brno statt. Ein Jahr später ergänzte der Komponist seine Kinderreime um zehn weitere Nummern. Außerdem kamen in der Partitur weitere Stimmen und Instrumente sowie jeweils ein kurzes Vor- und Nachspiel hinzu. Interessant ist auch Janáčeks Wunsch, dass bei der Aufführung dieser Komposition bunte Bilder projiziert werden sollten, doch konnten die technischen Möglichkeiten jener Zeit diesen Traum noch nicht erfüllen. Janáčeks Wunsch ging erst 1948 in Erfüllung, als Josef Lada zusammen mit dem Regisseur Eduard Hofman einen Zeichentrickfilm zu den Kinderreimen drehte, was für Lada gleichzeitig die erste Erfahrung mit diesem neuen Genre war. Bei dem Konzert werden die Kinderreime in Begleitung des ursprünglichen Films erklingen.

Das Maifest der Brünnlein ist wohl das bekannteste Werk von Bohuslav Martinů. Der Grund dafür liegt wohl im intimen Bekenntnis der Einsamkeit des Autors und seiner unerfüllten Sehnsucht nach der Rückkehr in seine Heimat, die ihm das kommunistische Regime verwehrte. Es kann nicht verwundern, dass sich der aus dem Bergland der Vysočina stammende Komponist so nach seiner Heimat sehnte, fiel doch sein letzter Besuch bereits in das Jahr 1938. Wohl deshalb mag er so positiv auf den Text des aus Polička gebürtigen Miroslav Bureš reagiert haben, dass er im Jahr 1955 diese fragile Kammerkantate komponierte, die sich auf einen uralten Volksbrauch zur Begrüßung des Frühlings bezieht. Dieses Brauchtum verbindet sich in Martinůs Werk mit der Weisheit des Alters und mit dem Begreifen des sich über Generationen wiederholenden menschlichen Schicksals.

Auch diesmal will das Festival an ein Werk erinnern, das den während des Zweiten Weltkriegs ins Ghetto Theresienstadt deportierten Kindern gewidmet war. Mit der Kinderoper Brundibár von Hans Krása nach einem Text von Adolf Hoffmeister steht das wohl berühmteste mit Theresienstadt verbundene Werk auf dem Programm. Die Oper entstand ursprünglich als Reaktion auf einen Wettbewerb des tschechoslowakischen Schulministeriums aus dem Jahr 1938. Doch die geschichtlichen Ereignisse sorgten dafür, dass es zu keiner Auswertung dieses Wettbewerbs mehr kam. Im Jahr 1941 beschloss der Direktor des Prager jüdischen Waisenhauses, Otto Freudenfeld, die Oper aufzuführen. Der Komponist selbst konnte der Vorstellung jedoch nicht mehr beiwohnen, da er nach Theresienstadt deportiert worden war. Später gelangte auch Freudenfeld nach Theresienstadt, wobei es ihm gelang, den Klavierauszug der Oper mit ins Lager zu schmuggeln. Krása instrumentierte sie neu, und am 23. September 1943 konnte im Saal der Magdeburger Kaserne die feierliche Premiere stattfinden. Die Oper Brundibár über einen Unterdrücker, der von den Kindern und den Tieren gemeinsam bezwungen wird, ließ die Zuschauer wie die Mitwirkenden aus den Reihen der Theresienstädter Kinder wenigstens für eine Weile die Schecken ihres Lebensalltags im Ghetto vergessen. Es braucht wohl kaum betont zu werden, dass viele der Interpreten das Kriegsende nicht mehr erlebten. Auch Hans Krása, der Autor der Oper, wurde 1944 im Konzentrationslager Auschwitz ermordet.

Autor: Jiří Zahrádka

Dirigent: Pavel Šnajdr

Klavier: Pavel Zemen (Concertino)

Sopran: Gun-Brit Barkmin

Tenor: Jan Hájek (Pulcinella)

Bariton: Josef Škarka (Pulcinella)

Mezzosopran: Václava Krejčí Housková (Pulcinella)

Soloists / Solisten: Gun-Brit Barkmin, Jan Hájek, Josef Škarka, Václava Krejčí Housková

Arnold Schönberg (1874–1951): Pierrot lunaire, op. 2 für Rezitator, Flöte (Piccoloflöte), Klarinette (Bassklarinette), Violine (Viola), Violoncello und Klavier

Igor Strawinsky (1882–1971): Pulcinella (Ballett) für Sopran, Tenor, Bass und Orchester

Leoš Janáček: Concertino (JW VII/11) für Klavier, zwei Violinen, Viola, Klarinette, Waldhorn und Fagott

Im Rahmen des Konzertes erklingen zwei repräsentative Werke der Musikgeschichte, die im Abstand von nur acht Jahren entstanden, aber zwei grundsätzliche Gegenpole jener Wege illustrieren, welche die Musik des 20. Jahrhunderts in der Folge nehmen sollte.

Pierrot Lunaire (Mond Pierot), Op. 21 von Arnold Schönberg ist für den Rezitator (die Stimme ist nicht in der Partitur vorgesehen, sondern traditionell verwendete Sopranistin), Flöte (Piccolo), Klarinette (Bassklarinette), Violine (Viola), Cello und Klavier für 21 Gedichte von Albert Giraud. Schönbergs Meisterwerk, das ab 1912 in tonaler und harmonischer Freiheit mit klassischen Formen geschrieben wurde, ist dramatisch, erhaben und überschwänglich an der Spitze des expressionistischen musikalischen Ausdrucks. Die Komposition besteht aus drei sehr kurzen „Melodramen“ und ist für eine bestimmte gesprochene Sprache geschrieben, in der der Rezitator eine klar definierte Notenschrift hat und oft zwischen Singen und Sprechen pendelt. Schönberg arbeitet hier nicht nur meisterhaft mit Formen, sondern auch mit Farben: Er kombiniert auf bemerkenswerte Weise Ensemble-Instrumente mit allen denkbaren Spieltechniken, die oft extreme Instrumentenpositionen erfordern und extrem schwer zu interpretieren sind.

Igor Strawinskys Ballett Pulcinella stellt das genaue Gegenteil der Komposition Pierrot lunaire dar. Der Autor lebte bereits vor dem Ersten Weltkrieg außerhalb Russlands, meist in Frankreich und der Schweiz. In Paris hatte er sich mit Sergei Djagilew angefreundet, einem Propagator russischer Kunst und Organisator des Russischen Balletts, mit dem seit 1910 führende moderne Komponisten (Debussy, Satie, Poulenc, Prokofjew) und bildende Künstler (Picasso, Chirico, Braque, Matisse) zusammenarbeiteten. Für Djagilews Ensemble schrieb Strawinsky seine ersten Ballettpartituren – Der Feuervogel, Petruschka und Le Sacre du Printemps –, bahnbrechende Werke nicht nur im Schaffen ihres Autors, sondern auch in der Geschichte der europäischen Musik. Der neue, expressiv offensive Klang von Strawinskys Musik jener Epoche, wo der Rhythmus gegenüber der Melodik und Harmonie dominiert, erreichte seinen Höhepunkt im Ballett Le Sacre du Printemps, dessen Premiere im Jahr mit einem legendären Skandal endete. Auch das gesungene Ballett Pulcinella aus dem Jahr 1919 entstand als Auftragswerk für Djagilews Russisches Ballett. Mit dem Anbruch der Zwanzigerjahre kam es jedoch zu einem Wandel in Strawinskys Schaffen. Anstelle ungestüm rhythmischer, „barbarischer“ Partituren entstanden Werke mit kleinerer Kammerbesetzung, die die Hinwendung zum Neoklassizismus markierten. Die Grundlage des Balletts Pulcinella bilden unvollendete und unpublizierte Kompositionen des italienischen Meisters Giovanni Battista Pergolesi aus dem 18. Jahrhundert, die Djagilew während seiner Aufenthalte in Italien ausfindig machte und abschreiben ließ, um sie Strawinsky vorzulegen, der sie redigieren und zu einer Ballettmusik verarbeiten sollte. Die Kompositionen stammten aus dem Archiv des Konservatoriums von Neapel, es handelte sich um den dritten Akt der Oper Il fratello inamorato aus dem Jahr 1732 und Fragmente aus der Oper Il Flaminio. Dazu gesellte sich Melodiematerial aus Triosonaten für zwei Violinen und Basso continuo, aber auch einige bekannte Arien. Später wurde Strawinsky zum Vorwurf gemacht, er habe gegenüber dem großen Komponisten nicht genügend Achtung und Pietät walten lassen. Nach Strawinsky jedoch bleibt Achtung stets unfruchtbar und kann nie ein produktives und schöpferisches Element sein. Das Sujet des Balletts bestimmte wiederum Djagilew, der in Neapel Manuskripte von Komödien des neapolitanischen Volkstheaters aus dem Jahr 1700 gefunden hatte, aus denen er die Komödie Die vier gleichen Pulcinellas mit Figuren der italienischen Commedia dell’arte auswählte. Die Choreografie des Balletts stammte von Leonid Mjasin, das Bühnenbild von Pablo Picasso. Die Premiere fand 1920 an der Pariser Nationaloper statt, und Strawinsky war mit der endgültigen Form der Vorstellung überaus zufrieden: „Die Vorstellung von Pulcinella war eines jener – sicherlich seltenen – Theaterereignisse, wo alles Hand in Hand geht und wo das Ergebnis aller Elemente, des Sujets, der Musik, der Choreografie, der Ausstattung, ein kontinuierliches, homogenes Ganzes ergibt.“ Pulcinella zählt bis heute zu den reizvollsten Werken des Neoklassizismus.

Das Concertino, von Janáček (1854–1928) selbst bisweilen ein „kleines Klavierkonzertchen“ genannt, ist das mittlere von drei Kammerwerken (Jugend, Concertino und Capriccio) aus der größten Schaffensphase des Komponisten. Zur Komposition seines Concertino wurde Janáček 1924 durch den herausragenden Vortrag des ausgezeichneten tschechischen Pianisten Jan Heřman inspiriert, dem der Autor sein Werk anschließend auch widmete. Ursprünglich sollte das Stück eine Suite mit dem Titel Frühling werden. Kurz vor seiner Fertigstellung schrieb Janáček aus Hukvaldy seiner Freundin Kamila Stösslová: „…Ich habe hier ein Klavierkonzert Frühling komponiert. Dort finden sich eine Grille, Fliegen, ein Rehbock – ein reißender Bergbach – und natürlich der Mensch…“ Der Titel Frühling – Suite wich jedoch schließlich dem schlichten Concertino. Seine erste Aufführung erlebte das Stück am 16.2.1926 in Brno im Rahmen eines Konzerts des Klubs mährischer Komponisten und fand dabei beim Publikum so großen Anklang, dass es noch ein zweites Mal gespielt werden musste. Um nichts geringer war der Erfolg des Concertino auch bei seiner ersten Aufführung in Prag im selben Jahr, und schon bald war das Stück praktisch auf der ganzen Welt zu hören. Unter anderem wurde es 1927 beim Festival der Internationalen Gesellschaft für Neue Musik in Frankfurt aufgeführt. Auf Anregung der deutschen Fachzeitschrift Pult und Taktstock verfasste Janáček 1927 eine Erklärung des Inhalts der Komposition. Im ersten Satz ärgert sich der Igel, dass man ihm den Eingang zu seinem Bau in der alten Linde versperrt hat. Der zweite Satz handelt von einem Eichhörnchen, das einst durch die Baumkronen hüpfte, dann aber zum Spaß der Kinder in einem Käfig tanzen musste. Im dritten Satz blicken die runden Augen des Käuzchens, der Eule und des übrigen nächtlichen Kritikergesindels überheblich in die Klaviersaiten, und im vierten Satz sieht es aus, als würden sich alle um einen Groschen streiten – wie im Märchen.

Autor: Jiří Zahrádka

Das Ensemble der Ungarischen Staatsoper wird beim Festival Janáček Brno nicht zum ersten Mal dabei sein. Diesmal jedoch reist es nicht mit einer Janáček-Inszenierung an, sondern mit einer Oper, deren Entstehung in jene Zeit fällt, als Janáček an seiner stilistisch neuartigen Oper Schicksal schrieb. Ebenso wie Janáček mit Jenůfa und anschließend mit der Oper Schicksal beschritt auch Richard Strauss mit seiner Salome einen neuen Weg – den Weg zur Oper des 20. Jahrhunderts.

Mit der Entstehung von Strauss’ Salome verbindet sich eine Anekdote: Als Strauss im Jahr 1902 in Berlin ein Schauspiel des englischen Dramatikers Oscar Wilde besuchte, soll einer seiner Freunde zu ihm gesagt haben: „Das wäre doch ein Sujet für Sie!“ Worauf Strauss geantwortet haben soll: „Ich schreibe doch gerade daran…“ Es kann nicht verwundern, dass den Komponisten das aus dem Alten Testament stammende Sujet ansprach. Die dekadente Atmosphäre am Hofe des galiläischen Tetrarchen Herodes, der in einer inzestuösen Ehe mit der Frau seines Bruders lebt und auch noch seine Stieftochter Salome begehrt, bietet für eine Oper eine Reihe von expressiven Momenten.

Oscar Wilde hatte Salome ursprünglich für die berühmte Schauspielerin Sarah Bernhardt geschrieben, die in dem Stück jedoch nie auftrat. Das Stück erschien 1893 in Paris im Druck und wurde noch in derselben Saison auf der Bühne aufgeführt. In Deutschland wurde Salome erst im Jahr 1901 erstmals gespielt, dafür jedoch mit großem Erfolg, konnte doch die Berliner Inszenierung von Regisseur Max Reinhardt in seinem Kleinen Theater nicht weniger als 200 Vorstellungen verbuchen. Richard Strauss lernte Wildes Schauspiel 1902 kennen, als ihm der österreichische Dichter Anton Lindner eine Kopie des Textes mit dem Angebot sandte, ihn für Strauss zu einem Opernlibretto umzuschreiben. Der Komponist zeigte Interesse, und Linder schickte ihm zur Anschauung umgehend seine Version der einführenden Szene. Im November 1902 jedoch besuchte Strauss eine Vorstellung in Berlin. Die deutsche Übersetzung von Hedwig Lachmann fand sein Gefallen, und er kam zu dem Schluss, dass es möglich sein sollte, direkt Wildes Text zu vertonen. Nach weitreichenden Studien und einer Unterredung mit Romain Rolland entschloss sich Strauss zur Kürzung und Vereinfachung einiger Passagen des ursprünglichen Bühnentextes. Mit dem Komponieren begann er nicht sofort, da er, trotz intensiver Beschäftigung mit dem Thema der Salome, zeitgleich an einem umfangreichen Orchesterwerk arbeitete – der Sinfonia domestica, welche er im Juli 1903 fertigstellte. Im folgenden Jahre reiste er zum Dirigieren in die Vereinigten Staaten. Im Zeitraum zwischen seiner Rückkehr und Juni 1905 entstand der wesentliche Teil von Salome. Er komponierte in jeder freien Minute neben seiner Dirigententätigkeit, und viele Musikwissenschaftler weisen darauf, dass trotz der allgegenwärtigen Gewalt in der Handlung der Oper die Handschrift der Partitur ruhig und sauber ist.

Als er Salome vollendet hatte, kontaktierte Strauss Ernst von Schuch aus Dresden, um ihm die Leitung der Premiere anzubieten. Er versicherte dem Dirigenten, das neue Werk würde keine so schweren Chöre wie seine Oper Feuersnot enthalten (was der Wahrheit entspricht, da in Salome überhaupt keine Chöre vorkommen). Die Hauptrolle und der Orchesterpart sind dagegen doppelt so schwer wie in jeder seiner früheren Opern. Bei den Proben kam es zu Problemen – bei der ersten Probe wollten sogar die meisten Sänger ihre Rollen zurückgeben. Schuch bat Strauss um eine Verschiebung der Premiere, doch der Komponist gab nicht nach, und so erlebte denn Salome am 9. Dezember 1905 in Dresden ihre Uraufführung. Der Erfolg war gewaltig, und obgleich sich die Kirche über die Amoralität der Oper entrüstete, fand das Stück rasch den Weg auf die übrigen deutschen Bühnen. Gustav Mahler schrieb an seine Frau, nachdem er Salome in Wien erlebt hatte: „Dies ist entschieden das Werk eines Genies, sehr stark und gewiss eines der wichtigsten Werke unserer Tage. Ein lebendiger Vulkan unter einem Haufen Schlacke, ein unterirdisches Feuer – und nicht bloß ein Feuerwerk!”

Mit dieser Oper reihte sich Richard Strauss unter die führenden Vertreter der musikalischen Avantgarde ein. Salome markierte eine deutliche Weiterentwicklung gegenüber seinen vorausgegangenen Bühnenwerken. Ihre Sprache ist viel abenteuerlicher, und sie bleibt bis heute eines der Meisterwerke der Oper des 20. Jahrhunderts. Gleichzeitig ist sie von der Interpretation her überaus anspruchsvoll, und so hängt ihr Erfolg allein von den gesanglichen und untrennbar damit auch von den schauspielerischen Qualitäten der Darsteller der beiden Hauptfiguren Salome und Herodes ab.

Autor: Patricie Částková

Janáčeks Interesse galt stets auch der Förderung und der Sammlung von Liedern, in denen die Volksfrömmigkeit zum Ausdruck kam. Als seinen Mitarbeiter bei der Volksliedforschung wählte Janáček unter anderem auch Hynek Bím, den er mit der Erkundung des westlichen Mähren betraute. Gerade Bím hielt bei seinen wiederholten Aufenthalten in Vnorovy (damals Znorovy) einen Zyklus alter Kirchenlieder fest, denen er, obgleich sie nur einen Bruchteil der von ihm erfassten Lieder ausmachten, große Aufmerksamkeit schenkte (davon zeugen auch die nicht weniger als sechzehn Briefe, die er mit Janáček zu diesem Thema austauschte). Übrigens war Janáček nach dem frühzeitigen Tod seines Vaters im Jahr 1866 gerade in Vnorovy bei seinem Onkel Jan Janácěk untergekommen (dieser wirkte hier in den Jahren 1870–1878 als Pfarrer). In jener Zeit, als Leoš Janáček hier selbst in der Kirche des Ortes die Orgel spielte, dürfe er die geistlichen Lieder dieses Ortes persönlich kennen gelernt haben.

Die Lieder stehen in direktem Bezug zum Kirchenjahr. Einen Teil davon finden wir in Jan Josef Božans Gesangbuch Die Paradiesnachtigall aus dem Jahr 1719 als dem grundlegenden Vergleichsmaterial, welches noch zu Zeiten der Liedsammeltätigkeit im Jahr 1911 bei Gottesdiensten in der Pfarrkirche von Vnorovy verwendet wurde. Bím notierte (und teils nahm er sie auch mit dem Phonographen auf) Advents-, Weihnachts-, Fasten- und Osterlieder, Lieder zu Ehren von Heiligen sowie Lieder, die sich in ihrem Inhalt auf Ereignisse im Leben eines gläubigen Christen beziehen.

Das Konzert „Kirchenlieder aus Znorovy“ möchte einem breiteren Publikum wenigstens einen Eindruck von diesem Schatz der volkstümlichen Musikkultur bieten, der von der Folkloristik bisher kaum gewürdigt wird. Mit der Auswahl der Lieder werfen wir so mit mehr als hundertjährigem Abstand einen Blick in das geistliche Gesangsrepertoire der genannten Ortschaft in der Mährischen Slowakei. Zu dem Konzert würde eine intimere, am ehesten sakrale Umgebung passen. Unter der Begleitung der Orgel, eines Kammerensembles oder auch a cappella präsentieren sich ausgewählte Gesangssolisten und Chöre aus Vnorovy und Umgebung. Eine Überlegung wert wäre auch ein Tonträger zu diesem ganz außergewöhnlichen Projekt…

Autor: Magdalena Múčková

Claude Debussy: Auswahl aus seinen Liedern

Joaquín Turina: Poema en forma de canciones

Leoš Janáček: 6 Volkslieder (die Eva Gabel sang)

Alban Berg: Auswahl aus seinen Liedern

Richard Strauss: Vier letzte Lieder

Das Rezital von Pavol Brešlík, eines der respektiertesten Tenöre der Gegenwart, präsentiert eine Auswahl aus dem Liedschaffen von Komponisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts für progressive Tendenzen in der Musik standen: Claude Debussy (1862–1918), der führende Vertreter des musikalischen Impressionismus, Alban Berg (1885–1935), ein Repräsentant der Zweiten Wiener Schule, Richard Strauss (1864–1949) als gewichtigster Vertreter der Traditionen der Spätromantik sowie Leoš Janáček (1854–1928), ein Einzelgänger, der sich keiner der musikalischen Strömungen des 20. Jahrhunderts zuordnen lässt. Es erklingen auch Lieder des bei uns selten aufgeführten spanischen Komponisten Joaquín Turina (1882–1949).

Autor: Jiří Zahrádka

Die Oper Jenůfa zählt zu den berühmtesten Werken Janáčeks und markierte einen grundlegenden Wendepunkt in seinem Schaffen. Im Repertoire des Brünner Opernensembles befindet sich dieser Titel seit seiner Entstehung im Jahr 1904 nahezu ohne Unterbrechung. Im Rahmen des Festivals wird in der erfolgreichen Inszenierung von Regisseur Martin Glaser und Chefdirigent Marko Ivanović als besonderer Gast die finnische Sopranistin Karita Mattila, eine der weltweit besten Janáček-Interpretinnen, in der Rolle der Küsterin zu erleben sein.

An der Wiege der Oper Jenůfa stand ein realistisches Drama von Gabriela Preissová (1862–1946), welches der Komponist selbst zum Opernlibretto umarbeitete. Obgleich er den Text des Schauspiels deutlich kürzen musste, gelang es ihm, eine noch tiefere Wirkung der tragischen Geschichte aus der mährischen Provinz zu erzielen. Der verschwenderische und unbeständige Števa, der ungestüme und doch in seinem Herzen liebevolle Laca und vor allem die unerbittliche Küsterin, welche in der Bemühung, sich ihre Stellung und den Respekt der Dorfgemeinschaft zu erhalten, auch vor der Tötung des Kindes ihrer Ziehtochter Jenůfa nicht zurückschreckt – Janáček beschreibt die einzelnen Charaktere in meisterhafter dramatischer Verkürzung, die den Zuschauer frösteln lässt, doch gleichzeitig Mitgefühl und Verständnis weckt. Die Arbeit an Jenůfabeanspruchte Janáček für fast neun Jahre. Den ersten Akt der Oper vollendete er im Jahr 1897, der zweite und der dritte entstanden unter für Janáčeks Familie höchst tragischen Umständen. Im Jahr 1902 war Janáčeks Tochter Olga während eines Besuchs bei seinem Bruder in Sankt Petersburg schwer erkrankt. Janáček vollendete den zweiten Akt der Oper nach Olgas Rückkehr und den dritten unmittelbar vor ihrem Tod im Februar 1903. Die Oper Jenůfa widmete er dem Andenken seiner Tochter. Mit der Uraufführung wollte Janáček das Prager Nationaltheater betrauen, wo sein Ansinnen jedoch mit der Begründung abgelehnt wurde, das Stück sei für die Aufführung auf der namhaftesten tschechischen Opernbühne nicht geeignet. Die Premiere fand daher am 21. Januar 1904 in Brünn statt, wo das Werk unerwarteten Erfolg hatte. Erst 1915 gelang es, auch die Leitung des Prager Theaters und seinen Dirigenten Karel Kovařovic von dem Stück zu überzeugen. Nach der überaus erfolgreichen Prager Premiere im Jahr 1916 folgte eine Aufführung in Wien, und Janáček fand als Komponist endlich die gebührende Anerkennung im In- und Ausland.

Autor: Patricie Částková

Leoš Janáček (1854–1928): Auf verwachsenem Pfade, Sonate für Violine und Klavier

Richard Strauss (1864–1949): Andante für Horn und Klavier

Claude Debussy (1862–1918): Première Rhapsodie für Klarinette

Das Konzert von Studenten der Janáček-Akademie Brno präsentiert neben Kompositionen Leoš Janáčeks auch Werke anderer Autoren, die an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert einen markanten Beitrag zur Neuausrichtung der Musik leisteten.

Aufgrund der momentanen Unpässlichkeit einiger Mitglieder des Prager philharmonischen Chors wird dieses Festivalkonzert auf einen noch zu bestimmenden späteren Termin verschoben. Sobald der neue Termin feststeht, werden wir ihn auf unserer Website www.janacek-brno.cz bekanntgeben.

Solisten: Jana Hrochová, tenor – Martin Slavík, Jiří Brückler

Josef Bohuslav Foerster (1859–1951): Die Weihe der Nacht, op. 87/I für Frauenchor und Klavier

Leoš Janáček (1854–1928): Die Wolfsspur, JW IV/39 für Sopran- und Tenorsolo, Frauenchor und Klavier

Josef Bohuslav Foerster (1859–1951): Abendlied, op. 89/b für Männerchor a capella

Leoš Janáček (1854–1928): Des Narren Irrfahrt, JW IV/43 für Sopran-, Tenor- und Baritonsolo und Männerchor a capella

Vítězslav Novák (1870–1949): Vier Chöre nach Gedichten von Otokar Březina, op. 47 – Auswahl (3. Magische Mitternächte, 4. Es sangen die brennenden Sterne) für gemischten Chor a cappella

Igor Strawinsky (1882–1971): Les Nocec, für Solostimmen, gemischten Chor, vier Klaviere und Schlagzeug

Das Konzert bietet einen Querschnitt durch die grundlegendsten Chorwerke böhmischer und mährischer Autoren aus den ersten zwei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts (selbstverständlich wird dieser zeitliche Rahmen teilweise gesprengt). Das Komponistentrio Foerster – Novák – Janáček zeigte in dieser (nicht nur für das Musikschaffen) stürmischen Zeit neue Richtungen für die Chorkunst auf. Das gerade Janáčeks Schaffen eine ganz grundlegende Abkehr von der bis dahin geltenden Kompositionsweise von Chorwerken darstellte, ist offenkundig. Dies belegen auch die weiteren Chorwerke auf dem Programm dieses Konzerts. In seiner zweiten Hälfte wird schließlich eines der Schlüsselwerke des Chorschaffens im 20. Jahrhundert erklingen – Strawinskys Les Noces.

Für Josef Bohuslav Foerster waren die Jahre vor dem Krieg eine ungemein fruchtbare und glückliche Zeit. Der damals in Wien lebende Autor konnte sogar zwei seiner Werke bei der Universal Edition veröffentlichen, also einem Verlag, der die Schlüsselwerke der damaligen Musikszene Mitteleuropas herausgab. Der FrauenchorDie Weihe der Nacht mit Klavierbegleitung stammt aus dem Jahr 1910. Foerster schrieb dieses Stück nach einem Gedichttext von Christian Friedrich Hebbel ursprünglich für Orchesterbegleitung. Es stellt eine Art Nocturne mit bezaubernder Lautmalerei beim Chor wie bei der Begleitung dar. Der Männerchor Abendliedwurde 1916 nach einem Gedicht von Gustav Kellar komponiert und erschien wiederum bei der renommierten Universal Edition.

Janáček befasste sich mit Komposition für Frauenchor kurzzeitig zu Beginn des Jahres 1916, als er im Januar und Februar vier Chorwerke nach Texten von F. S. Procházka sowie die Wolfsspur nach einem Gedicht von Jaroslav Vrchlický komponierte. Dass er in den Kriegsjahren gerade Werke für Frauenchor schrieb, ist kein Zufall. Sein bewährter Sängerbund mährischer Lehrer war durch die Einberufung der Männer an die Front so weitgehend dezimiert, dass keine Konzertauftritte mehr möglich waren. Chorleiter Ferdinand Vach stellte daher einen Chor der mährischen Lehrerinnen zusammen. Im selben Jahr hatte auch die Wolfsspur ihre Premiere. Janáčeks Frauenchöre sind so anspruchsvoll, dass sie nur selten aufgeführt werden. Hier wird es nun eine Gelegenheit geben, Janáčeks unendlichen Einfallsreichtum und seine ganz außergewöhnliche Verwendung weiblicher Stimmen zu bewundern.

Der Männerchor mit Sopransolo Des Narren Irrfahrt entstand volle zehn Jahre nach drei Chorwerken Janáčeks zu Texten von Petr Bezruč. Im Jahr 1921 besuchte Janáček einen Vortrag von Rabindranath Thakur, wo er sich die Sprachmelodien des Dichters notierte und anschließend sogar ein Feuilleton zu diesem Thema verfasste. Die Welt dieses Denkers war Janáček offenbar nah, und so schrieb er kurz darauf im Jahr 1922 nach einem Gedicht Thakurs ein Chorwerk, das zweifellos zu den größten Meisterwerken dieses Genres gezählt werden kann. Janáčeks Manuskript mit einem Teil dieser Komposition ziert den Grabstein des Komponisten auf dem Brünner Zentralfriedhof.

Zu den international angesehenen Künstlern seiner Epoche zählte auch Vítězslav Novák. Wie im Falle Foersters leuchtet auch sein Stern gerade in den Jahren vor dem Krieg am hellsten. Die Gedichte Otokar Březinas, welche Novák in seinem gemischten Chor a cappella aus dem Jahr 1912 vertonte, stellen eine Art philosophische Meditation im Kontext des europäischen Symbolismus dar. Es handelte sich um das erste Werk für gemischten Chor, das Novák überhaupt komponierte. Das interpretatorisch überaus anspruchsvolle Stück erlangte angesichts seines geradezu mystischen Charakters keinen solchen Erfolg wie Nováks vorausgegangene Chorwerke, die ihre Inspiration aus der Volksmusik geschöpft hatten. Die vier Chöre nach Gedichttexten von Otokar Březina gehören zu Nováks herausragendsten Chorwerken.

Als Kontrast zum Musikschaffen in Böhmen und Mähren wird eines der großartigsten Chorwerke des 20. Jahrhunderts erklingen – Les Noces für Solostimmen, gemischten Chor, vier Klaviere und Schlagzeug aus der Feder von Igor Strawinsky. Der Autor begann die Arbeit an dem Stück bereits 1913 und vollendete die Partitur im Jahr 1917. In seiner Komposition verarbeitete er russische Hochzeitsgedichte aus der Sammlung von Pjotr Kirejewski. Les Noces entstand in zeitlicher Nachbarschaft zu Strawinskys berühmtestem Werk Le Sacre du Printemps. Hier wie dort ist die treibende Kraft des Stückes ein urwüchsiger, mitreißender Rhythmus. Die „Tanzszenen mit Musik und Stimmen“, wie der Untertitel des Werkes lautet, widmete der Komponist wiederum dem Russischen Ballett, wo das Stück 1923 in einer Choreografie von Bronislava Nijinska zur Aufführung kam. Obgleich Les Noces eines der markantesten Werke Strawinskys ist, wird es wegen seiner hohen Anforderungen an Interpretation und Ausstattung heute nur sehr selten aufgeführt.

Autor: Jiří Zahrádka